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Mirar al revés, dar la vuelta y ver el objeto que filma. Sobre él, sobre sus minuciosas características, hacer un ensayo en torno al sujeto que filma. Por supuesto, sobre el sujeto filmado. En fin, sobre el acto de filmar. Las marcas y los precios de las cámaras, sus partes, una especie de anatomía y disección en una facultad de bellas artes. A través del cambio de atención entre los estudiantes y el objeto recibimos esta  lección, tan inusual como natural.

A partir de retazos procesados se compone, pedazo por pedazo, el calco digital de un mundo urbano. Vemos emerger del vacío fragmentos híperpixelados de avenidas y calles, y trabajadores anónimos describen sus condiciones laborales en Kenia y Filipinas. Su tarea consiste en disecar algunas fotografías en los elementos que las componen –ambulancia, humano, vegetación, hidrante– para que vehículos sin conductor aprendan a tomar decisiones autónomas al circular por las calles estadounidenses.

Los movimientos que suceden dentro de la música buscan a los sonidos que hace cada imagen. No son los mismos, pero ese juego de distancias los contamina unos a otros. La composición musical fragmentada de Tōru Takemitsu «Corona para pianista(s)» se ilumina con la música de la imagen, y viceversa. Al lado de las partituras gráficas, llenas de líneas y de puntos que denotan sonidos, la realizadora hace una delicada operación con la imagen que requiere agudeza de tacto y delicadeza en la percepción. De su observación atenta surge esta pieza que se vive como un holograma de sensaciones.

Una vaca se pierde en la región portuguesa de Alentejo y la tierra huye debajo de los pies de su granjero, inmerso en un cosmos custodiado por la neblina y la piedra montañosa. Nada se queda por fuera de la dinámica cíclica de la vida. Aquí, el espacio se vuelve tiempo. Estrenada en la Quincena de Cannes, la película plantea, a través de una experiencia hipnótica y meditativa, habitar la intimidad, la distancia, la pausa y el vértigo de las afecciones de este paisaje hermético, cuidando cada extracto de esa antigua y áspera relación entre el humano y la tierra.

Desde la distancia, la cámara se aproxima a un invernadero y el sol de la tarde riega el césped de un campo agrícola. La cámara se detiene unos instantes en la puerta y retoma su camino al interior, en donde divisamos al fondo una pantalla. La cámara avanza hacia ella. Ya no es la tarde y el sonido predominante de los aspersores acompaña el recorrido. Un recorrido hacia las cavidades de un fenómeno cada vez menos concreto, una experiencia cíclica puramente cinematográfica.

Eco de luz es el primer documental del director ecuatoriano Misha Vallejo Prut y se estrenó en el Festival Internacional de Cine documental de Ámsterdam en 2024. Este filme es un retrato familiar que indaga en la ausencia de la paternidad, la violencia y los silencios intergeneracionales, invitándonos a explorar las luces y sombras de sus ancestros. La mirada es un elemento crucial: el ángulo, el encuadre, la textura, el color, la cercanía y la distancia.

Hay una ambigüedad fundamental en el título de esta película: little boy es un jovencito, pero también el nombre de la bomba que destruyó Hiroshima en 1945. En el texto con el que la película se presentó en la Berlinale, su director, el veterano James Benning, señaló que se trataba de una película que “mira al pasado para advertir acerca del futuro, desde el punto de vista de un jovencito”.

En un bosque remoto del noreste de Escocia, lejos de la hiperconectividad y el ritmo vertiginoso de la modernidad, Jake Williams vuelve a ser retratado por el reconocido cineasta Ben Rivers, más de una década después de Two Years at Sea (2011). Tras vivir solo durante 40 años, su figura reaparece en esta exploración visual y estética filmada en 16mm y 35mm, oscilando entre la observación, la puesta en escena y secuencias oníricas que nos sumergen en su mundo y en el paisaje que lo rodea.

El cineasta y fotógrafo Sammy Baloji realiza en este ensayo fílmico una reflexión aguda y sosegada alrededor de la selva del Congo, junto al Amazonas uno de los mayores capturadores de carbono en el planeta.

Ganadora del premio a mejor director y estrenada en la sección Un certain regard del Festival de Cannes de 2024, The Damned revisita la guerra civil de 1862 en Estados Unidos. Roberto Minervini la observa y escucha desde adentro, dejando de lado la intensidad de los encuentros bélicos y escabulléndose en la psique de los soldados, a pesar de las expectativas y desilusiones: el aburrimiento, el frío del invierno y la camaradería. 

Magda viaja a Helsinki para una audición junto con su hermano Enzo. En un intento por reconstruir su relación, el trayecto en ferry a través del mar Báltico los sumerge en un tránsito inesperado entre silencios y conversaciones anodinas, encuentros fortuitos y recuerdos compartidos; entre la distancia y la intimidad de lo cotidiano.

Cierra los ojos. Construye esta escena. En Una sombra oscilante, Celeste Rojas Mugica indaga en los rastros de su padre, un hombre que vivió en la sombra, en el exilio. Su mirada recorre negativos, luces de cuarto oscuro y fotografías que, al revelarse, desentierran también preguntas sobre la memoria, la identidad y la herencia de una vida fugitiva.

En su segundo largometraje de ficción, Iva Radivojević explora la fragilidad de la memoria a través de la experiencia de Lana, una niña de once años que recibe una llamada que marcaría un punto de quiebre en su vida. Eran las 10:36 a.m. cuando el teléfono sonó y ella respondió, sin saber que estaba a punto de recibir una noticia devastadora: su abuelo había muerto. Pero este hecho es solo el preludio de una realidad mucho más desgarradora. Con el conflicto bélico estallando en su país, su mundo comienza a desmoronarse.

La actriz Augustina viaja a las Azores para la producción teatral de La Tempestad de William Shakespeare, solo para descubrir que, aunque no hay teatro, toda la isla es un escenario único en el que sus habitantes se comportan como personajes de Shakespeare.